Edición número 35 del Salón Municipal de Pintura

Que bueno seguir conversando con ustedes por esta vía que aún nos queda para el diálogo y el Encuentro. La pasada semana estuvimos como jurado en la edición número 35 del Salón Municipal de Pintura, fue una maravillosa experiencia que queremos resaltar, pues significa que el Salón Municipal regreso después de haber estado sin abrir las puertas el pasado año. YDELISA-RINCON-UBA Felicitamos al Alcalde Pedro Bastidas por haber apoyado de nuevo esta confrontación, pero más felicitamos a los artistas por haber enviado masivamente sus obras a este encuentro con el arte. Se aceptaron 55 obras, todas de muy buena factura donde predomina el color y la materia. Celebramos la organización y agradecemos nos hayan invitado como jurado, así como a todo el personal que está al frente de la organización del Salón empezando por Andrés Alvarez, con quien compartí muchos años de dura labor cuando fui directora del Museo de Arte de Maracay. Nos atendieron muy bien todo el equipo que estuvo el día de la reunión para hacer la respectiva selección de las obras. Un Abrazo para todos. Y Que Viva el Arte y os Artistas. Nos veremos en la Inauguración. También les invito para la inauguración de la exposición del artista Aragueño Marcos Aponte en la Universidad Bicentenaria de Aragua, el próximo martes 26 de abril a las 11 de la mañana, allí será el Encuentro con la muestra titulada Quienes Habitan, conformada por una instalación y varias obras de pequeño formato. Será hasta pronto.. PROPUESTAS ARTÍSTICAS DE LILIANA PORTER Y ANA TIRCORNIA DIALOGAN EN BEATRIZ GIL GALERÍA Una exposición en la que conviven las obras de dos importantes artistas contemporáneas Liliana Porter (Argentina) y Ana Tiscornia (Uruguay) fue inaugurada bajo el título Relatos cómplices, en la galería Beatriz Gil, bajo la curaduría de Ruth Auerbach. La muestra, que permanecerá en exhibición hasta el domingo 15 de mayo, ofrece la oportunidad de apreciar en nuestro país la obra individual inédita de estas creadoras de gran proyección internacional, residenciadas en Nueva York, así como un conjunto de trabajos desarrollados por ellas a cuatro manos. Después de largo tiempo, Venezuela recibe nuevamente a Liliana Porter quien, en 1969, expusiera su obra en los espacios del Museo de Bellas Artes de Caracas; Ana Tiscornia viene por vez primera al país. La selección individual de Lilana Porter la conforman una serie de ingeniosas y singulares obras entre pinturas y dibujos, fotografías e instalaciones de objetos tridimensionales en las que la artista se apropia de un repertorio de objetos e imágenes provenientes tanto de la cultura popular como de la historia del arte, para configurar un universo personal de fragmentos y de memorias que, a la vez, enuncian el desarrollo de las ideas que le urge expresar, según señala la curadora Ruth Auerbach en el texto que acompaña la muestra. Mediante su agudo sentido del humor y el manejo de una sofisticada ironía especula en esa otra verdad, en esa presencia o apariencia inquietante de sus objetos, más cercana a la ficción, a la poesía y a lo absurdo. Asimismo, en la construcción del espacio representado, las figuras idealizadas de juguetes y personajes que colecciona y clasifica por géneros, operan como actores sustitutos de lo real, creando así un sentido distorsionado de la identidad que subraya, implícitamente, lo vulnerable de la condición humana, escribe Auerbach. Por su parte, Ana Tiscornia apela al vocabulario de la arquitectura y al rigor de su formación intelectual para avanzar una reflexión crítica sobre la problemática incierta del espacio habitado y las profundas contradicciones surgidas entre la voluntad de construir y el despropósito de la destrucción, según explica la curadora. Fundamentada en el uso de una geometría rigurosa y flexible a la vez, que se desarrolla a partir de la manipulación e intervención de diversos materiales, Ana presenta en su propuesta individual, una singular serie de estructuras que recrean una arquitectura que no es tal, un diseño que se materializa mediante el ensamblaje de tiras de cartón y el collage de diversos elementos desechados () como recurso formal que opera en la deconstrucción y progresiva reinvención de los espacios habitables, percibidos como entidades metafóricas. Complicidad a cuatro manos La exposición Relatos cómplices incluye además un conjunto de obras realizadas a cuatro manos por Liliana Porter y Ana Tiscornia, donde dialogan los discursos de cada una de las creadoras, en un proceso de colaboración desarrollado desde el taller que comparten y el arte público creado en asociación. Un trabajo en el cual la conciencia del impulso colaborativo plantea otras interrogantes y aporta inéditos relatos, dando paso a otra narrativa independiente, afirma Ruth Auerbach. En estas obras, las pequeñas figuras y juguetes de expresivos rasgos que identifican la propuesta de Liliana, intervienen con su mínima presencia las frágiles estructuras o destrucciones de Ana, en una yuxtaposición de ideas que se complementan o se contradicen. De acuerdo a la curadora, el espacio de representación de Ana, proveniente del lenguaje arquitectónico, se presenta aquí como un espacio real y específico interrumpido por el advenimiento de la catástrofe, mientras que el de Liliana señala un entorno amplio y etéreo en el cual las figuras se aíslan y descontextualizan. El espacio se revierte en un escenario si se quiere ficcional, en el que las figuras nuevamente requieren de un argumento dramático para narrar una nueva historia. Con una amplia y reconocida trayectoria, Liliana Porter (Buenos Aires, 1941) ha expuesto individualmente en el Museum of Modern Art (MOMA) de Nueva York, en los Museos de Bellas Artes de Caracas y Santiago de Chile, en el Museo de Arte Moderno de Bogotá, en el Museo de Arte Contemporáneo de Panamá, en el Museo Nacional de Artes Plásticas de Montevideo, en el Bronx Museum for the Arts de New York, Museo de Bellas Artes Juan Manuel Blanes de Montevideo, así como en muchas otras salas y galerías de Italia, España, Estados Unidos, Argentina, y Puerto Rico, entre otros países. Asimismo sus obras están representadas en numerosas colecciones públicas y privadas, entre ellas: TATE Modern Collection, Londres, Reino Unido; Museum of Modern Art, Nueva York; Whitney Museum of American Art, Nueva York; Museo Nacional de Bellas Artes, Buenos Aires, Argentina; Museo de Bellas Artes, Caracas, Venezuela; Philadelphia Museum of Art; La Biblioteque Nationale, París, Francia; La Biblioteca Pública de Nueva York; Museo de Arte Moderno, Buenos Aires, Argentina; Museo de Bellas Artes, Santiago, Chile; Museo de Arte Moderno, Bogotá, Colombia; Blanton Museum, Austin, TX; Museo del Barrio, Nueva York; Metropolitan Museum of Art, Nueva York; Smithsonian American Art Museum, Washington DC; El Museo del Bronx de las Artes, Nueva York; Museo Tamayo, México D.F .; Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid, España; Daros Collection Zúrich, Suiza; Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires; Museo de Brooklyn, Nueva York. Ana Tiscornia (Montevideo, 1951) ha exhibido su obra de manera individual en el Museo José Gurvich de Uruguay (2013); Nora Fisch Galería en Buenos Aires, Josee Bienvenu Gallery en Nueva Cork, Alejandra Von Hartz Gallery en Miami, ARCO 09 en Madrid, Allegra Ravizza Art Project en Milan, entre otras. Igualmente ha participado en muestras colectivas en Estados Unidos, Costa Rica, Argentina, Uruguay, Cuba, Perú y Colombia. Sus obras están representadas en numerosas colecciones públicas y privadas, entre ellas: Museo Nacional de Artes Visuales, Montevideo; Museo Municipal de Bellas Artes, Juan Manuel Blanes Montevideo; Museo de San Juan, Argentina; Museo de la Memoria, Montevideo; Museum of North Dakota, EE.UU.; The Illinois Holocaust Museum and Education Center, Chicago, EE.UU.; Museo de la Solidaridad Salvador Allende, Santiago, Jorge Perez, Miami, EE.UU.; Colección Sayago y Pardon, Los Angeles, EE.UU.; Colección Benetton, Italia. La obra de estas dos importantes creadoras se estará exhibiendo hasta el 15 de mayo en BEATRIZ GIL galería, ubicada en la Calle California con Calle Jalisco, en Las Mercedes; en horario de lunes a viernes de 10:00 a.m. a 7:00 p.m., sábados de 10:00 a.m. a 4:00 p.m., y domingos de 11:00 a.m. a 2:00 p.m. La entrada es libre. Muestra de arte urbano llega a la Asociación Cultural Humboldt La Asociación Cultural Humboldt, en alianza con la Galería Graphic Art, inauguró una exposición de arte urbano que reúne obras de los jóvenes creadores venezolanos D11, Saz Oner y Flix, tres de los más representativos autores contemporáneos del también llamado Stret Art. Al disertar sobre esta actual manifestación artística, el representante de Graphic Art, Gabriel Benítez, plantea que como venezolanos, o simples transeúntes, sentimos que nuestros espacios urbanos piden ayuda, es por esto que D11, Saz Oner y FLIX surgen como héroes y utilizan el arte para salvarnos de la monotonía, de lo gris que puede ser vivir en la ciudad. La intención de esta exposición Enlaces cromáticos es hacer que cada espectador al observar las obras se pregunte: ¿de qué soy capaz?, ¿de qué manera puedo dar lo mejor de mí para, con arte o sin él, llegar a una sociedad que nos necesita a todos?. La muestra incluye un mural intervenido simultáneamente por los tres artistas visuales. Enlaces cromáticos permanecerá abierta al público hasta el 10 de abril en la sala de exposiciones de la Asociación Cultural Humboldt, de San Bernardino. JORGE PIZZANI DE LO POLÍTICO A LO ERÓTICO Lienzos de hasta cuatro metros de ancho se agolpan en el taller del artista visual Jorge Pizzani . Desde ahí, rostros de hombres y mujeres, atormentados de a ratos, parecen contemplar la faena del creador. Tubos y frascos de pintura recién usados reposan en cada estante; y en las paredes, alumbradas por el sol del mediodía desde la entrada, se leen palabras sueltas escritas en tinta azul. El muñeco en la ciudad, La versión oficial, Benito en invierno, Los años civiles, Salomé… son, a la vez, rompecabezas y Esta recóndita sala de techo de zinc y columnas de madera, ubicada en Turgua, ha albergado a las labores de Pizzani durante las últimas dos décadas. Si bien será pronto sustituido por un espacio contiguo con forma de iglesia, es en este cuarto caluroso donde el artista atesora sus piezas recientes; esas que mostrará a partir de este domingo en su próxima exposición individual. La muestra, homónima a su obra Corte masivo, será instalada en la Sala Trasnocho Arte Contacto (TAC), del Trasnocho Cultural, en Las Mercedes, para mantenerse abierta hasta mediados de abril. En ella exhibirá una selección de catorce piezas, de entre las casi ochenta pinturas que ha culminado recientemente y que integran una propuesta donde abunda la fuerza en el trazo. La comunión forzosa entre la mente y el estómago. En la muestra, el artista entabla discursos que van de lo político a lo erótico, sin faltar representaciones de su interioridad en autorretatos. La figuración a gran escala y el uso de elementos simbólicos componen su crítica a una sociedad seducida por la mitificación de los héroes. Por esto, en el cuadro que da inicio a la muestra, la mirada de un rostro de Simón Bolívar se trasmuta en un torbellino, mientras que, en otro, un hombre con uniforme oficial abraza, sonriente, a un busto del Libertador. El primer dibujo que recuerdo haber hecho en mi vida fue, justamente, un Bolívar, para una tarea de primer grado. Su rostro es una referencia para todos los venezolanos, pero su imagen ha sido demasiado manoseada. ¿Por qué aparecen las referencias políticas en su pintura reciente? Porque no lo puedo evitar. Uno es un emisor de una realidad y yo trato de salirme un poco del esquema, pero uno ya internalizó un miedo. Cuado ladrones se meten a tu casa, y ves tantos abusos algo pasa. Es inevitable, las crisis tienen relación directa con la inventiva. En ese caso, ¿es la pintura para usted un refugio o un grito de protesta? Cuando te asumes como eres, el lenguaje va cobrando vigor producto del estudio y del ejercicio mismo. Entonces, la madurez se convierte en un deleite, y trabajas como un disfrute. Sin embargo, en la digestión psíquica lo hago bajo el tamiz de la sensibilidad en torno al país, al mundo y, en este caso, al mal utilizado arquetipo bolivariano. Pero, esto me ecualiza. Mi mejor aliciente para la continuidad es la pintura. Ha definido en entrevistas a la pintura como un misterio. ¿Trabaja en descifrarlo? Me ha sido imposible. He estado leyendo sobre la sincronicidad, de (Carl Gustav) Jung, que trata sobre el vínculo entre lo metafísico y lo real donde la intuición tiene mucho que ver. Uno vive en un mundo donde se aparecen imágenes y, cuando haces un cuadro, salen esos contenidos, esa fuerza. Ahí se oculta un misterio. ¿A quiénes, además de Bolívar, pertenecen los rostros que pinta? A lo que veo todos los días. A mí no me gusta mucho mirar, te lo juro, ni mirarle la cara a la gente, porque me afecta mucho. He pintado rostros de amigos que sólo tengo guardados en el inconsciente, y que aparecen sin saber quiénes son desde el principio. ¿Hasta dónde opera el azar ahí? Yo pinto con un trazo que tiene mucha velocidad y en grandes escala, porque uso todo mi cuerpo. Entonces, se van construyendo las cosas, pero hay como un intersticio donde hay un estado de conciencia que me dice dónde debo parar, y dónde preservar eso que produce el azar. Pero, ¿dónde está sostenido ese azar? En el conocimiento, en la técnica, porque yo primero fui un dibujante. ¿Por qué pasó del dibujo a la pintura? Por la frase de (Henri) Matisse: Es preciso dibujar antes para cultivar el espíritu y ser capaz después de llevar el color por caminos espirituales. También cambió allí del paisaje a la figuración… ¡Sí! Es curioso, yo viví en París y hacía paisajes. Y ahora que estoy en Turgua pinto a seres humanos. Puedo decir que sólo he llegado a pintar de verdad a través de la figuración. Mis paisajes aparecen ahora en las atmósferas de los personajes, y en sus ojos, donde caben mundos infinitos. Practica la pintura en acción, y el trabajo directo con las manos sobre el lienzo. ¿Es el color una extensión de su cuerpo? Siempre he creído que las yemas de los dedos están relacionadas con la actividad cerebral, y por eso no uso pincel ni brocha. Para esta muestra empecé a usar guantes, porque supe que me he estado envenenando toda la vida (risas). Pero pintar es un modo de liberación, y hacerlo en público lo desmitifica, como pretendo que pase con los próceres. La pintura es mi ofrenda (y divertimento) en un país que me inquieta. MUSEO ALEMÁN CONTRAPONE LA BAUHAUS CON TENDENCIAS ACTUALES EN DISE O El pabellón de arte contemporáneo Bundeskunsthalle de Bonn acoge a partir de mañana la exposición Bauhaus. Todo es diseño, que además de presentar numerosas obras de esa legendaria escuela artística, contrapone sus diseños con propuestas de artistas contemporáneos. La muestra, explicó el director artístico del Bundeskunsthalle, Rein Wolfs, es una suerte de “actualización” de la escuela de arte, arquitectura y diseño fundada en 1919 por el arquitecto Walter Gropius (1883-1969) en la ciudad alemana de Weimar. La exposición presenta numerosas obras poco conocidas y en parte jamás expuestas de los campos del diseño, la arquitectura, el arte, el cine y la fotografía y enfrenta a la Bauhaus con las tendencias de artistas y diseñadores contemporáneos. Pueden verse así clásicos como la lámpara estilo Bauhaus de Wilhelm Wagenfeld o las sillas de acero tubular de Marcel Breuer, junto a una silla elaborada en cera artificial del diseñador contemporáneo Jerszy Seymour o una película que juega con la óptica digital de las piezas del videojuego Minecraft. “Las ideas de la Bauhaus eran revolucionarias y todavía hoy siguen vigentes. En tiempos en los que se buscaba una nueva forma de vivir, Walter Gropius aunó arte, arquitectura, diseño y artesanía”, subrayó la arquitecta y diseñadora Eva Eisler, en un comunicado difundido por el Bundeskunsthalle. La muestra ilustra de esta manera la sorprendente actualidad de la Bauhaus, con obras de representantes de esa corriente como Gropius, Breuer, Marianne Brandt, Lyonel Feininger y Vasili Kandinsky y trabajaos de artistas contemporáneos como Seymour, Olaf Nicolai, Adrian Sauer, Enzo Mari, Norman Foster, Opendesk, Konstantin Grcic, Hella Jongerius y Alberto Meda. La exposición está dividida en cuatro grupos de temas y arranca con una mirada al contexto histórico y social de la Bahaus, a la que sigue la presentación de diseños icónicos y también menos conocidos de este movimiento, así como un análisis de la historia de su nacimiento. Un tercer bloque ilustra la comunicación de la Bauhaus, desde la tipografía, sus exposiciones, el arte cinematográfico experimental y la fotografía, hasta la creación de aquello mitos y clichés que rodean hasta hoy a esta corriente y con los que la muestra pretende acabar. El último grupo temático está consagrado al espacio y a los numerosos artistas que participaron en la concepción del diseño de la Bauhaus. Organizada en cooperación con el Vitra Design Museum, la exposición podrá verse hasta el próximo 14 de agosto. Nuestra invitación es para el próximo domingo cuando estaremos de nuevo con todos ustedes. Nuestros contactos ydelisarincongonzalez@gmail.com Facebook. YdelisaRincon Twitter.@YdeRincon Instagram. YdelisaRincon

Fuente: ElSiglo.com.ve